Le mouvement dans l'art peut se rapporter à plusieurs concepts différents:

(A) Il y a le terme général de «mouvement» comme dans le style et l'école d'art.

(B) Il y a un mouvement tel qu'il est décrit dans une peinture qui implique le mouvement physique d'un objet en superposant des instantanés dans le temps. (Tel qu'utilisé dans le style particulier des futuristes et des vorticistes, par exemple. Le dynamisme d'un chien en laisse de Giacomo Balla, qui se trouve maintenant à la galerie d'art Albright-Knox de Buffalo, dans l'État de New York).

(C) Ensuite, il y a du mouvement dans la composition.

Diriger le regard du spectateur sur un voyage

Le mouvement est la création d'un sentiment de va-et-vient à travers une peinture qui la fait passer du papier peint passif à une extension dynamique de la psyché du spectateur, la création d'une réaction qui conduit le spectateur sur la voie de la découverte. Dans ce cas, le mouvement est le contraire de statique, fade, sans émotion et sans intérêt. C'est ce qui nous intéresse lorsque nous parlons du mouvement en tant qu'élément de la composition dans l'art.

Lorsque vous créez un mouvement dans une peinture, réfléchissez à la chorégraphie du processus, à ce que vous révélez au public, à ce qui est laissé à l'imagination. Une peinture devrait être une question, pas une réponse. Faire appel à l'imagination du public permet à différents spectateurs d'interagir de différentes manières. C'est pourquoi il est recommandé de toujours laisser quelque chose de non dit dans un tableau afin de donner au public la possibilité d'une interaction unique.

La peinture devrait se révéler lentement au public, elle devrait offrir des coins et des recoins qui mènent au sentier principal. En d'autres termes, la peinture devrait être un voyage et non la destination. Une peinture qui n'offre qu'un point de vue statique n'est pas meilleure qu'une photo de vacances (elle fournirait au photographe une clé de ses souvenirs, mais constituerait simplement une image arbitraire pour quiconque ne serait pas impliqué émotionnellement). L'artiste doit encourager le spectateur à interagir avec le sujet, à apprendre et à grandir. La peinture peut être une simple anecdote ou un conte héroïque, mais elle devrait parler au spectateur avec la joie d’une histoire en train d’être dévoilée.

L’artiste est un chef d’orchestre qui guide le regard du spectateur à travers la peinture en utilisant une multitude de techniques qui lui donnent une impression de mouvement, que ce soit à travers l’espace, le temps ou même l’émotion. Le mouvement peut être donné dans une peinture à travers une image fondamentale forte, disons le courant d'une rivière; à la lumière d'un doux soleil du soir qui implique le passage d'une journée; ou à travers l'émotion d'un portrait embelli par le symbolisme emblématique, cela montre comment la figure est arrivée à ce sentiment. Le mouvement peut également être obtenu par l’effet de la croissance ou de la décadence. Une vibration qui imprègne le sujet et dit au spectateur que c'est la vie, c'est le mouvement.

Alors que peux-tu faire? Le premier point est de penser en termes de composition globale, où voudriez-vous que l’œil du spectateur commence (rappelez-vous qu’en Occident, le spectateur commence généralement dans le coin supérieur gauche d’un tableau, car il nous apprend très tôt à lire de cette manière). De gauche à droite, de haut en bas est la norme, mais une composition solide peut attirer l'attention du public sur un tel conditionnement.

Le mouvement peut être indiqué par le flux d'objets dans la peinture, leur arrangement et leur motif; à travers l'utilisation de la perspective. Le mouvement peut être impliqué par la direction à laquelle les figures font face - une peinture passive aurait une direction groupée synergique, alors que le caractère aléatoire dans la direction des figures conférerait à la peinture un aspect sauvage et une vitalité énergétique.

Ensuite, l’artiste peut envisager l’utilisation de la couleur (y compris des effets optiques tels que le bleu qui s’éloigne de l’œil et le rouge qui s’en approche); Coup de pinceau (la création de marques peut ajouter au flux de la peinture dans leur direction, tout en donnant une vitesse au mouvement par la variation de la taille du trait de pinceau); le motif de la lumière et de l'ombre; et le ton (qui est important pour la vision périphérique et peut donc détourner le regard d'un sujet central). Envisagez de renforcer les directions principales du mouvement en faisant écho (par exemple, en faisant s'écouler les nuages ​​dans le ciel de la même manière que les vagues sur la mer) et en faisant du vélo (ramenant l'œil au point de départ, pour que le voyage puisse recommencer à zéro)..

En regardant le tableau de Vincent van Gogh ci-dessus, le sens le plus manifeste du mouvement réside dans les vagues, rangée après rangée de casseurs (marquée n ° 1). Ensuite, il y a le banc de nuages ​​(n ° 2), qui semble souffler vers la droite, créé à la fois par la forme des nuages ​​et par la direction des marques de pinceau. La forme des nuages ​​fait écho à la forme de la vague. Au premier plan, les nuages ​​ont projeté une ombre (n ° 3), ce qui donne l'impression de changer de lumière dans la scène. Les postures, les positions et les tailles relatives des différentes figures (n ° 4) donnent l'impression d'être plus loin de nous et de marcher vers le bateau. Regardez comment la figure de droite (n ° 5) semble être penchée vers le vent!

Toutes les petites choses s'additionnent, en travaillant les unes avec les autres pour créer l'atmosphère générale et le sens des choses qui bougent et se passent. Regardez comment le drapeau rouge en haut du mât flotte dans le vent (n ° 6). Sa couleur est répétée dans quelques autres endroits du tableau (à commencer par la chemise que porte la figure dans le bateau), en travaillant sur cet autre élément de composition, l'unité. La couleur rouge ressort également du tableau contre le ciel bleu terne, elle indique que le bateau est le centre de toutes les attentions et que les personnages sur la plage jouent un rôle dans son lancement. Faites une pause pendant une minute pour réfléchir à la quantité d'informations que vous avez lues dans ce petit coup de peinture: direction du vent, force du vent, vent (sinon le drapeau serait mou).

Rappelez-vous toujours que le mouvement dans la composition est une expression du voyage que le public entreprend avec vous, l'artiste, en tant que guide. Même le plus petit composant peut donner un mouvement de peinture.